Parution de Ouverture féministe de Susan McClary, conférence à la Philharmonie le 7 mars 2015

Ouverture féministeÀ l’occasion de la paru­tion d’Ouver­ture fémi­niste de Susan McClary (tra­duit de l’anglais par Cathe­rine Deutsch et Sté­phane Roth) aux Edi­tions de la Phil­har­mo­nie de Paris, la Phil­har­mo­nie de Paris pro­pose une après-midi de confé­rences et débat autour du concept de “genre” en musique.

En voici le pro­gramme détaillé :

Les pro­ces­sus de com­po­si­tions, les struc­tures sonores, le geste ins­tru­men­tal, l’analyse ou la théo­rie musi­cale peuvent-ils revê­tir une iden­tité sexuelle ? Le concept de « genre », si com­plexe à démê­ler dans l’actualité, constitue-t-elle un fac­teur cri­tique ou une caté­go­rie d’analyse en musique ? Musi­co­logues, socio­logues et poli­to­logues confrontent leur point de vue, entre his­toire pro­fonde et pro­blé­ma­tique de société.

14h00-14h45

CONFÉRENCE

Diva ou tuba !

par David Christoffel

14h45-15h30

CONFÉRENCE

L’Ouverture fémi­niste de Susan McClary, ou le genre comme caté­go­rie utile de l’analyse musicale

par Cathe­rine Deutsch

16h00-17h15

TABLE RONDE

Ani­mée par David Christoffel

Avec la par­ti­ci­pa­tion de :

Cathe­rine Deutsch

Hya­cinthe Ravet

Juliette Rennes

French Moves, de Felicia McCarren obtient la De la Torre Bueno Prize

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FRENCH MOVES :
Outstanding Publication Award 2014, Congress on Research in Dance
De la Torre Bueno Prize 2013, Society of Dance History Scholars

CORD’s Outstanding Publication Award recognizes notable work in dance research from the previous calendar year. The Awards Committee has selected Felicia McCarren’s French Moves: The Cultural Politics of le hip hop for its 2014 award. Reviewers praised Dr. McCarren’s rigor in demonstrating that hip hop in France is not an example of U.S. cultural imperialism so much as an example of France’s ability to absorb cultural influences and make them its own. In particular, she is praised for insightful close analyses of the ways immigrant communities take up urban dance forms to trouble French discourses of universality and equality, even as hip hop has become part of French national culture.

Quatrième de couverture: For more than two decades, le hip hop has shown France’s « other » face: danced by minorities associated with immigration and the suburbs, it has channeled rage against racism and unequal opportunity and offered a movement vocabulary for the expression of the multicultural difference that challenges the universalist discourse of the Republic.

French hip-hoppers subscribe to black U.S. culture to articulate their own difference but their mouv’ developed differently, championed by a Socialist cultural policy as part of the patrimoine culturel, instituted as a pedagogy and supported as an art of the banlieue. In the multicultural mix of « Arabic » North African, African and Asian forms circulating with classical and contemporary dance performance in France, if hip hop is positioned as a civic discourse, and hip hop dancer as legitimate employment, it is because beyond this political recuperation, it is a figural language in which dancers express themselves differently, figure themselves as something or someone else.

French hip hop develops into concert dance not through the familiar model of a culture industry, but within a Republic of Culture; it nuances an « Anglo-Saxon » model of identity politics with a « francophone » post-colonial identity poetics and grants its dancers the statut civil of artists, technicians who develop and transmit body-based knowledge.

This book— the first in English to introduce readers to the French mouv’ —analyzes the choreographic development of hip hop into la danse urbaine, touring on national and international stages, as hip hoppeurs move beyond the banlieue, figuring new forms within the mobility brought by new media and global migration.

Felicia McCarren est Professor, Department of French and Italian, Tulane University, New Orleans
Newcomb College Institute, Advisor on Arts and Humanities Projects

Séminaire EHESS – Genre et création dans l’histoire des arts vivants

2eme vendredi du mois de 9 h à 12 h (salle 1, 105 bd Raspail 75006 Paris), du 9 janvier 2015 au 12 juin 2015.

Ce séminaire invite à une réflexion transdisciplinaire (danse, musique et théâtre) qui dépasse la simple reconnaissance de la contribution des femmes dans le domaine des arts vivants. Nous souhaitons questionner les historiographies et idéaux hérités du Romantisme qui ont construit la figure de l’artiste singulier investi de génie. Nous cherchons à comprendre comment l’encadrement institutionnel des artistes, en écartant la contribution des femmes, ont surdéterminé la reconnaissance et la valorisation de la création au masculin. L’étude des pratiques et des discours des créatrices et des créateurs qui transgressèrent les modèles normatifs de la création à chaque époque nous permettra également d’explorer comment celles-ci ont pensé et/ou construit historiquement des contre-exemples et des stratégies de résistance à ces modèles.

La périodisation de cet enseignement (XVIe-XXIe siècle) se veut assez large de manière à favoriser des analyses tant diachroniques que synchroniques. Une partie de ce séminaire sera consacré à la lecture de textes clés sur l’histoire des arts vivants et le genre, dans le cadre d’un projet d’anthologie critique codirigé par les enseignantes. Enfin, les étudiant-e-s seront tenus d’assister au colloque « Genre et création dans l’histoire. Arts vivants, art de vivre » du 12 au 14 décembre 2013.

Animé par :

• Elizabeth CLAIRE, chargée de recherche au CNRS

• Catherine DEUTSCH, maître de conférences à l’Université Paris-Sorbonne (Paris-IV)

• Raphaëlle DOYON, postdoctorante au LabEx CAP (CRAL-HiCSA)

 

Anthologie sur le genre et l’histoire des arts vivants (danse, musique, théâtre)

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Au moment où les études de genre étasuniennes s’interrogent sur la pertinence du concept de « genre » à tel point répandu qu’il serait « devenu un label commode dont l’utilisation nous rassurait plutôt qu’elle ne nous dérangeait » , l’histoire du théâtre, la musicologie et les études sur la danse, en France, n’ont que très récemment utilisé cette catégorie d’analyse. Depuis les années 1980, des universitaires anglais-e-s et américain-e-s s’intéressent à l’écriture d’une histoire du genre dans le théâtre, la danse et la musique (Tracy Davis, Susan McClary, Suzanne Cusick, Marcia Citron, Shannon Jackson, Sue Ellen Case, Viv Gardner, Maggie Gale, Susan Manning, Amy Koritz, Felicia McCarren, Peggy Phelan, Sally Banes, Ann Daly, Ramsay Burt, Mark Franko, Susan Foster …).

La production de ces textes fondamentaux reste encore trop peu connue des chercheur-e-s, des praticien-ne-s, et des étudiant-e-s en France. Au-delà de la barrière de la langue, les quelques textes les plus radicaux ont pu servir de repoussoir auprès d’un public rétif aux études de genre. Aussi, il n’est pas étonnant de constater aujourd’hui que les étudiant-e-s et chercheur-e-s sont en réelle demande d’outils théoriques qui interrogent la spécificité genrée des arts vivants, son incarnation dans le geste, sa mise en discours et son inscription dans l’historiographie. Notre projet d’anthologie critique vise précisément à combler cette lacune. Cet ouvrage réunira des travaux produits au cours de plusieurs décennies, mettant en perspective certains textes fondateurs devenus aujourd’hui des objets historiographiques, avec des productions plus récentes qui continuent d’impulser de nouvelles dynamiques de recherche. Il s’agit bien d’une anthologie critique pour laquelle nous rédigerons une introduction réflexive et transversale. Cette synthèse permettra aux lecteurs et lectrices de se repérer dans les principaux courants historiographiques.

 

Huitièmes rencontres du CReIM : Du fémi­nin et du mas­cu­lin dans la théo­rie musicale

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Mardi 18 février 2014, 14h-19h / Uni­ver­sité Paris-Sorbonne, Centre uni­ver­si­taire Cli­gnan­court, 2 rue Fran­cis de Crois­set, 75018 Paris (Métro Porte de Cli­gnan­court), Salle 418

Pré­si­dence de séance : Flo­rence Lau­nay (Darm­stadt, CReIM) et Ber­trand Porot (Uni­ver­sité Reims Champagne-Ardennes)

14h Accueil et introduction

14h15 Isa­belle Ragnard (Uni­ver­sité Paris-Sorbonne) : « Par bécarre, par nature et par bémol ! Les hexa­cordes ont-ils un genre ? »

14h45 Cathe­rine Deutsch (Uni­ver­sité Paris-Sorbonne) : « Ordre musi­cal, ordre sexué : la méta­phore du genre dans les débats sur la moder­nité musi­cale ita­lienne entre XVIe et XVIIe siècles »

15h15 Théo­dora Psy­choyou (Uni­ver­sité Paris-Sorbonne) : « Féminin/masculin dans la théo­rie du XVIIe siècle en France »

15h45 Pause

16h Raphaëlle Legrand (Uni­ver­sité Paris-Sorbonne) : « Et voilà pour­quoi le mode majeur est le “maître de l’harmonie” : Rameau et le sexage des modes et des degrés »

16h30 Alban Ramaut (Uni­ver­sité Jean Mon­net, Saint-Etienne) : « Du fémi­nin et du mas­cu­lin dans les écrits théo­riques d’Anton Reicha »

17h Flo­rence Lau­nay (Darm­stadt, CReIM) : « Féminin/masculin dans la théo­rie : état des lieux bibliographique »

17h30 Pause

17h45 Table ronde : « Femi­nine Endings de Susan McClary (1991) : Relec­tures »

Avec Este­ban Buch (EHESS), Cathe­rine Deutsch (Uni­ver­sité Paris-Sorbonne), Flo­rence Lau­nay (Darm­stadt, CReIM), Raphaëlle Legrand (Uni­ver­sité Paris-Sorbonne), Hya­cinthe Ravet (Uni­ver­sité Paris-Sorbonne)

Artistes femmes au musée ? Regards actuels

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5 conférences à 19h à l’auditorium du Louvre du 24 janvier au 9 avril / Réservations : 01 40 20 55 00 ou en ligne

Cinq grandes personnalités de l’histoire de l’art sont réunies autour d’une question : comment approcher les quelques productions féminines dans les collections du musée ? Il propose un bilan, autour des collections du Louvre, et un renouvellement des études sur le genre des quarante dernières années.

– Vendredi 24 janvier / Par Griselda Pollock, University of Leeds

Le Musée à moitié vide : vision, invisibilité et inscription de la différence parmi les « vieilles maîtresses » de l’art

– Vendredi 14 février / Par Bettina Uppenkamp, Humboldt Universität, Berlin

Les « femmes fortes » dans le regard de femmes fortes. Une relecture critique de Judith et autres héroïnes de l’art Baroque.

– Mercredi 5 mars / Par Abigail Solomon-Godeau, Historienne de l’art, Paris

Constance Mayer : la mythologie, l’historiographie et le féminisme

– Vendredi 21 mars / Par Laura Auricchio, Parsons The New School for Design, New York

Adelaïde Labille-Guiard et le Louvre : échanges, exclusions, inscriptions

– Mercredi 9 avril / Par Susan Siegfried, University of Michigan, Ann Arbor

La création d’une identité imaginée dans la France postrévolutionnaire. Mode et idéal classique dans Etude de femme d’après nature de Marie-Denise Villers

En 1971, l’historienne de l’art américaine Linda Nochlin formulait dans la revue Artnews la célèbre critique : « Pourquoi n’y a-t-il pas eu de grandes artistes femmes ? » Depuis lors, les institutions et collections patrimoniales se sont ponctuellement essayées à mettre en lumière des modèles féminins d’identification, questionnant les généalogies et filiations artistiques. L’année suivante, les conservatrices Elisabeth Broun et Ann Gabhart présentaient au Walters Art Museum de Baltimore « Old Mistresses : Women Artists of the Past ». En 1976, Linda Nochlin, réalisait à son tour, en collaboration avec Ann Sutherland, « Women Artists, 1550-1950 ». Ces deux expositions pionnières tentaient de cerner un héritage matériel et culturel spécifique. Non sans débats, elles ont contribué à instiguer une pratique historiographique dédiée à l’étude des œuvres de création féminine. Les Feminist Studies et les Women Studies se sont étendues au domaine des arts visuels, encourageant une critique interne des valeurs et des méthodes mêmes de l’histoire de l’art et pointant le conditionnement culturel qui a marqué l’histoire des collections et des politiques muséales. Dès les années 1990, le musée du Louvre s’était fait l’écho de ces débats en donnant une large place à l’histoire de l’art féministe dans le cycle de conférences « Où en est l’interprétation de l’œuvre d’art ? », publié en collaboration avec l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts (1998-2000).

Quelle est aujourd’hui l’actualité de ce sujet ? Plusieurs expositions récentes indiquent une évolution de la culture muséale et invitent à reformuler l’attention portée à la production des artistes femmes au cours de la période 1600-1900 – qui reste la mieux étudiée avant le XXe siècle. Parmi elles, l’exposition « Royalists to Romantics : Women Artists from the Louvre, Versailles, and Other French National Collections » (Washington, National Museum of Women in the Arts, 2012) comporte plusieurs prêts importants du Louvre. En France, « Marie d’Orléans, 1813-1839 : Princesse et artiste romantique » (musée du Louvre, 2008), « Le ciseau et le pinceau. François et Sophie Rude, un couple d’artistes au XIXe siècle » (Dijon, musée des Beaux-Arts, 2012) et « Félicie de Fauveau. L’amazone de la sculpture » (Paris, musée d’Orsay 2013), ainsi qu’une importante rétrospective de l’œuvre d’Élisabeth Vigée-Lebrun en préparation (Paris, Grand Palais, 2015), témoignent du souci de faire progresser l’expertise et l’outillage critique sur des « femmes artistes du passé » encore peu représentées ou peu visibles dans les collections publiques.

Un grand nombre de questions demeurent ouvertes. Au gré du progrès des connaissances, elles touchent, tout d’abord, aux limites des approches monographiques et à l’effet de périmètres institutionnels dédiés. A l’heure d’une réflexion culturelle qui met aujourd’hui nouvellement en cause les échelles de valeurs héritées du musée encyclopédique, ces œuvres, parmi d’autres, bousculent par ailleurs la définition même du champ esthétique qui en est issue. En partenariat avec l’Institut national d’histoire de l’art et l’Université Paris Est Marne-La-Vallée, le présent cycle de conférences inaugure un projet de recherche à long terme qui invite à de nouveaux éclairages sur les collections du Louvre et leur histoire, témoins révélateurs des variations du goût et de la réception idéologique. Les cinq premières conférences, confiées à des personnalités de l’histoire de l’art féministe et post-féministe, remettent en discussion quelques-uns des termes clés de ce débat : les formes de la critique institutionnelle, la question du genre et de l’identification dans l’iconographie, la critique de l’historiographie à travers la typologie de la « vie d’artiste », l’histoire politique de la réception, enfin la construction complexe d’« imaginaires culturels » à travers une culture visuelle où concourent l’art, les comportements et les pratiques sociales. Ce programme, dont on présente ici le premier volet, a été conçu en parallèle au séminaire de recherche, « Qu’est-ce que les études de genre font à l’histoire de l’art ? », qui se tient parallèlement à l’Institut national d’histoire de l’art.

Femmes de cirque, Colloque à Montpellier

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Colloque – 2ème édition d’Une Semaine de cirque à Montpellier,

du 15 au 21 février 2014.

La première Semaine de cirque du 17 au 27 novembre 2011 a été l’occasion d’un rassemblement inédit pour les étudiants et les chercheurs s’intéressant au cirque. Pour cette seconde édition, du 15 au 21 février 2014, le centre de recherche RIRRA 21 (EA4209), l’Université Paul Valéry – Montpellier 3 – France, 
Programme : « Cirque : histoire, imaginaires, pratiques »
 avec
 la Région Languedoc-Roussillon,
 La Verrerie d’Alès/Pôle National Cirque Languedoc-Roussillon 
pour la programmation de spectacles de cirque contemporain,
 et le LIRDEF (EA 3749) de Montpellier 3, rassemblent chercheurs, artistes, étudiants et spectateurs autour de colloques, spectacles, films et autres événements, sur le thème « Femmes de cirque ».

HorsLesMurs est de nouveau partenaire de cette manifestation.

Dans le cadre de cette Semaine, le Collectif de Chercheurs sur le Cirque (CCC), qui réunit étudiants de master, doctorants, post-doctorants et chercheurs, a été invité à organiser une journée sur le thème du genre, au cours de laquelle seront présentées des recherches récentes ou en cours. La journée d’étude « Le cirque au prisme du genre » aura lieu le 21 février 2014 de 9h à 16h.

Programme

Genre, Création & Histoire

Si depuis plusieurs décennies, en France, les différentes disciplines artistiques (littérature, histoire de l’art et cinéma, notamment) se sont considérablement ouvertes à l’histoire des femmes, aux théories féministes et aux études de genre, le dialogue transdisciplinaire entre l’histoire des arts vivants (théâtre, musique, danse) et les études de genre reste encore à établir. C’est là l’originalité et la spécificité de ce projet. C’est aussi la raison pour laquelle la périodisation, et les cadres géographiques et culturels du projet resteront larges. Nous souhaitons appuyer des initiatives de recherches, impulser des propositions, en évitant de restreindre un champ de recherche amené à s’épanouir dans des directions que les échanges viendront en partie circonscrire.

Étudier les actes de création à partir de la problématique du genre nous confronte à un certain nombre de paradoxes inhérents aux arts vivants et nous invite à répondre à certaines questions : quel rôle joue le corps genré dans l’interprétation ? Comment ce corps agit-il sur la définition de l’œuvre ? Comment gérer la complexité de la mémoire de l’événement et de sa création ? Que faire de la fugacité des œuvres, qualité vivante, éphémère, constitutive des arts vivants ? À partir de quelles traces éparses et polymorphes les reconstruire ? Dans quelle mesure les traces et les lacunes font-elles apparaître l’histoire genrée de ces arts ? Comment traiter la mémoire des créateurs et des créatrices qui encadrent leur propre patrimoine artistique dans des stratégies de censure ou d’auto-mythologie ? Ou encore, comment identifier les contextes et les groupes qui permettent l’émergence de génies singuliers ? La difficulté de nommer au féminin certaines fonctions (pour l’époque contemporaine : metteur en scène, chef d’orchestre, compositeur, etc.) ne relève-t-elle pas d’une division sexuée du travail de création qu’il convient d’interroger ? Enfin, comment la construction des identités de genre façonne et est modelée en retour par le contenu des œuvres et les techniques d’interprétation ?

Nous proposons trois axes de réflexion qui répondent au caractère éphémère des arts vivants et à la complexité temporelle de leurs traces. La première partie « Gestes et interprétation » se concentre sur le moment de l’action et de son incarnation ; la seconde « Fabrique de l’art et construction de soi » sur sa mise en discours et en normes ; la troisième « Transmission et héritages » sur son inscription dans le temps.

Gender and Creation in the History of Performing Arts

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INTERNATIONAL CONFERENCE

December 12-14, 2013, Paris.

With the aim of generating dialogue between historians studying performing arts (theater, dance, music) from the Middle Ages through the contemporary period, and researchers practicing women’s history, gender studies and performance studies, this international conference will examine a number of questions associated with the creative act, its historical reception, and its inscription through time.  By exploring representations associated with the practice of the performing arts, as well as diverse strategies of resistance to the social constraints and cultural norms they evoke, we will explore: the role played by the gendered body in the act of creation and interpretation; the complexity of how ephemeral performed events are remembered and recorded; the historical difficulties of naming certain creative functions as feminine, a process that reveals sexual divisions of labor concerning the act of creation.  We will examine the ways in which history ‘forgets’ or has invisibilized certain elements of performance practice, leading to lacunae in the historiography of performance.  This gendered forgetting has affected the formation of academic disciplines concerning the performing arts, particularly in France, as these disciplines are themselves forged upon historical gender stereotypes.

The debate will be organized according to three themes over three days: day one, “Gesture and Interpretation” will investigate the moment of action, the incarnation of performance; day two, “Making Art and Constructing the Self” will explore how performance has been documented, normalized, translated into discourse, linked to the construction of a creator’s identity; day three “Transmission and Heritage” will look at how performances leave gendered traces and how performance ‘makes history’.

Organizing committee: Elizabeth Claire (CRH, EHESS/CNRS), Catherine Deutsch (Univ. Paris-Sorbonne), Raphaëlle Doyon (Labex CAP, CRAL-HICSA)

Scientific Committee: Alessandro Arcangeli (Università di Verona, Italy) • Esteban Buch (CRAL, EHESS/CNRS, France) • Susan Manning (Northwestern University, USA) • Hélène Marquié (Université Paris 8, France) • Roxane Martin (Université de Nice – Sophia Antipolis, France) • Felicia McCarren (Tulane University, USA) • Raphaëlle Legrand (Université Paris-Sorbonne, France) • Stefano Lorenzetti (Conservatorio di Vicenza, Italy) • Annelis Kuhlmann (Aarhus Universitet, Denmark) • Henry Phillips (Univ. of Manchester, UK)

Conference Registration (free) :  genre.vivarts@gmail.com

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Download the program here:

PROGRAMME-PROGRAM

(Day 1) Gesture and Interpretation investigates creative practice, the moment of embodying performance;

(Day 2) Creating Art and Constructing the Self looks at the normalization of the creative act, the reception of a performance and its inscription in discourse, finally, the relationship between performer and performed;

(Day 3) Transmission and Heritage seeks to understand how the creative act is embodied and inscribed over time, passed on from one generation to the next, given a place in the historiography of performance.

1. Gesture and Interpretation  (Thursday, December 12, 2013)

We aim to look at theatrical, musical and danced gestures in relation to the gendered body. The notion of interpretation here refers to the performance of a tradition, a text, score, or choreography, as well as the way in which the performing act is perceived and received by an audience. We wish to examine the mechanisms that have lead to a hierarchical distinction between performer and creator, particularly in cases where this distinction has underpinned the marginalization of certain performance practices considered “feminine,” private or amateur and thus traditionally not identified as art.

2. Creating Art and Constructing the Self  (Friday, December 13, 2013)

Here the focus will be on discursive, iconographic and other representations of performance practices that might reveal a gendered logic in the perception of creativity and the reception and normalisation of the creative act. We will explore the way in which the creators of performances are positioned by, or position themselves in relation to, the act of creation as well as its inscription in discourse. We invite terminological studies that discern, for each of the arts in question, how these creative practices were perceived and represented. We also seek studies that expose gendered strategies of resistance to these normative constraints, as they were employed in creative practice and interpretation.

3. Transmission and Heritage (Saturday, December 14, 2013)

We propose to investigate how the creative act gets remembered, including the voluntary amnesias and mechanisms of forgetting that have led to a gendering of the historical discourse about creativity in the performing arts. To investigate the history of these silences, these absences, we seek proposals that discuss and identify the gendered nature of this process of invisibilization in the historiography of these arts. We also hope to articulate how accepted artistic practices might contribute to a gendering of the very cultural heritage they perpetuate and invent.  How does the transmission of creativity, a gendered cultural phenomenon, participate in the construction of knowledge itself? And how has the historicisation of cultural praxes been influenced by this gendered inheritance?

Call for Papers (closed)

Appel à communicationsCall for Papers

 We would like to thank the following institutions for their financial and logistical support, without which this international conference could not have taken place : la Columbia University in Paris, Reid Hall ; l’Institut national d’histoire de l’art ; le Centre national de la recherche scientifique ; l’École des hautes études en sciences sociales ; le Centre de recherches historiques ; l’Institut du genre ; l’Institut Émilie du Châtelet ; le LabEx Création, arts, patrimoines ; la Fédération de recherche sur le genre RING ; le Centre de recherches sur les arts et le langage ; Patrimoine et langages musicaux ; le Cercle de recherche interdisciplinaire sur les musiciennes ; l’Université Paris-Sorbonne ; la Délégation générale à la langue française et aux langues de France du Ministère de la culture et de la communication.  

Nommer, Penser, Inscrire la création dans l’histoire

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JOURNÉES D’ÉTUDES, 26-27 OCT 2012

Programme

Ces journées d’études, organisées par Elizabeth Claire, Catherine Deutsch, Raphaëlle Doyon et Vannina Olivesi, ont lancé une série de manifestations scientifiques sur le genre et l’histoire des arts vivants. Parties du constat que les arts vivants (danse, musique, théâtre) n’avaient pas bénéficié, en France, de la même ouverture à l’histoire des femmes, aux théories féministes et aux études de genre que d’autres disciplines artistiques (littérature, histoire de l’art et cinéma, notamment), nous avons souhaité instaurer un tel dialogue en organisant plusieurs événements à portée nationale, européenne et internationale. Les journées d’études intitulées d’octobre 2012, « Nommer, penser, inscrire la création dans l’histoire : les arts vivants au prisme du genre », qui ont constitué la première étape de ce projet, ont réuni une quinzaine de chercheur.e.s européen.ne.s (France, Italie, Allemagne, Irelande). Elles ont soulevée une série de questions d’ordre lexicologique (« nommer »), normatif et prescriptif (« penser »), mémoriel et historiographique (« inscrire ») que l’on peut ainsi synthétiser :

– Le constat de l’invisibilité des femmes dans la création qui pose aux historiens le problème des sources (M. Surel Tupin, P. Veroli, Sarah McCleave) et de l’assignation des artistes féminines à des rôles de genre (Muriel Plana, « créer est une arrogance »). Ce constat recoupe les assignations déjà observées dans les autres arts, tels la littérature ou la peinture : aux hommes la rationalité, la force, le savoir, l’intellect, la production de valeurs et d’énergie (Y. Hardt), tandis que les femmes sont placées du côté de la nature, du sentiment, de la beauté (Patrizia Veroli).

– Cette assignation, inscrite dans le langage (Aurore Evain), produit une division du travail, une hiérarchie des emplois dans les entreprises de spectacle où les femmes sont massivement employées en qualité d’actrices alors que les postes les plus qualifiés, impliquant l’exercice du pouvoir demeurent détenus dans les mains des hommes (Florence Launay et A.-F. Benhamou).

– Des communications ont montré combien les femmes ont intériorisé ces normes sociales, au point qu’elles refusent ou hésitent à revendiquer leur statut d’artiste ou de compositrice (par ex., cas de la danseuse Clotilde von Terp étudié par Patrizia Veroli).

– Les débats ont mis l’accent sur la résistance des femmes à ces normes et les stratégies qu’elles mettent en place : le cas de la danseuse Françoise Prévost (Marina Nordera), de Marie de Romieu ou de Marie de Gournay (Aurore Evain) ; Fabien Guillou a montré que la stricte séparation des tâches entre créateur et interprète est une construction historique qui ne résiste pas à l’analyse des pratiques.

– Les débats ont permis de tracer des pistes de réflexion : quel est l’état des connaissances sur la formation professionnelle des femmes artistes dans les arts vivants ? (Mouna Belghali) ; si le féminisme dans les arts vivants demeure « une mauvaise carte de visite » (M. Surel Tupin) comment sensibiliser les jeunes artistes et chercheuses aux questions de genre ? (Marina Nordera) ; l’importance d’articuler le genre compris comme rapports sociaux de sexe et le genre dramatique des œuvres étudiées (M. Plana) ; comment faire en sorte que le genre, dans la pratique et la recherche sur les arts vivants, garde sa dimension critique et ne se limite pas à un simple label (Isabelle Launay) étant entendu qu’il devient une stratégie commerciale pour produire des spectacles.

Ces questionnements ont été poursuivis au sein d’un séminaire, ouvert en janvier 2013 à l’École des Hautes Études en Sciences Sociales à Paris, qui a attiré de nombreux étudiant.e.s et chercheur.e.s de France et de l’étranger. À la suite de ces deux manifestations, nous avons organisé un colloque international « Genre et création dans l’histoire des arts vivants », qui aura lieu en décembre 2013 et qui réunirait une quarantaine de chercheur.e.s venant de pays diverses (Grande Bretagne, Etats-Unis, Allemagne, Danemark, Italie, Argentine, Espagne, Japon). Les années 2014-2015 verront la publication d’une anthologie critique sur l’histoire des arts vivants et d’un ouvrage collectif issu des travaux présentés lors des journées d’études, du séminaire et du colloque international.

Lors des journées d’études d’octobre 2012, ont émergé un certain nombre de questionnements, inhérents au caractère à la fois éphémère et incarné/embodied des arts vivants : le geste artistique, l’éducation corporelle et la transmission des pratiques ; les rapports entre normes artistiques et normes de genre ; l’articulation entre création, interprétation et direction ; la rencontre entre les pratiques artistiques des femmes et leur vie spirituelle, religieuse, mais aussi militante et féministe ; l’interrogation des traces et des lacunes dans les sources et les mémoires. Enfin, nous poserons la question du genre dans la construction de l’histoire de la danse, de la musicologie, et des études théâtrales, en portant ainsi un regard réflexif et analytique sur nos disciplines et sur l’historiographie existante. Il s’agira de montrer en quoi les études de genre servent à interroger l’histoire des arts vivants et inversement, comment l’écriture d’une histoire genrée des arts vivants nous incite à repenser l’histoire du genre elle-même.